«Mentiras europeas y 5 cuadros robados», escrito por Alonso Aguilar Orihuela, nos sumerge en un universo que entrelaza la literatura oaxaqueña y el arte contemporáneo de manera cautivante. A través de sus páginas, el autor nos presenta la historia de Joaquín, un periodista cultural, y Leandro, un artista oaxaqueño reconocido a nivel internacional. Juntos, nos llevan de la mano en un viaje tan desastroso como fascinante, donde la crítica al mundo artístico en Oaxaca se convierte en el eje central de la trama.
La novela, aunque situada en un contexto ficticio, aborda problemáticas profundamente ancladas en la realidad. Aguilar Orihuela expone la decadencia que atraviesa el arte en este «tercer momento», como él lo llama. Según el autor, el arte ha dejado de ser apreciado y consumido de la manera en que solía serlo, para convertirse en un objeto de gentrificación y comercialización vacía. Esta reflexión lleva al lector a cuestionarse sobre el valor real del arte y el impacto de las dinámicas de mercado en su apreciación y significado.
El libro invita a repensar la relación entre las tradiciones culturales oaxaqueñas y la creciente explotación comercial que sufren. Aguilar Orihuela destaca que es urgente rescatar lo más valioso de Oaxaca: sus tradiciones, costumbres y valores, antes de que se pierdan en la banalidad de las esferas sociales que se han apropiado del arte para fines comerciales y turísticos.
A través de esta obra de ficción, el autor consigue lanzar una crítica sutil pero potente hacia el estado actual del arte y la cultura en Oaxaca, reflejando cómo los círculos sociales y culturales han contribuido a su deterioro. «Mentiras europeas y 5 cuadros robados» no solo es una novela sobre el mundo del arte, sino también una profunda reflexión sobre lo que se está perdiendo y sobre la necesidad urgente de reconectar con lo auténtico, con lo que hace del arte algo significativo para la sociedad.
Alonso Aguilar Orihuela nos invita a no caer en la trampa de la sobreexplotación cultural, y en su lugar, a mirar hacia lo que verdaderamente importa: la preservación de nuestras raíces y el respeto hacia el valor intrínseco del arte y la cultura oaxaqueña.
«Senderos del Nahual, Tributo para la Abuela» – NN galería
NN galería
La Galería NN, fundada por Adrián de León en Oaxaca de Juárez, toma su nombre de «No Name Gallery», reflejando una filosofía sin prejuicios y un espacio neutral similar al concepto de «cubo blanco». Su arquitectura está diseñada para permitir que la luz natural ilumine las obras de arte y que el flujo de visitantes sea fluido en un espacio cuadrangular.
Desde su apertura en 2020, la galería ha albergado 17 exposiciones, presentando tanto a artistas emergentes como a consolidados. Entre los artistas emergentes se encuentran Ana Hernández, con experiencia en textil y gráfica, y Alberto Villeta, un artista de la Ciudad de México conocido por su trabajo con textiles y sus colaboraciones con artistas de Teotitlán del Valle.
Entre los artistas consolidados que alberga la galeria se encuentran Alberto Ibañez «El Negro» e Ixrael Montes, un oaxaqueño cuyo trabajo más reciente se presenta en la galería NN, «Senderos del Nahual, Tributo para la Abuela», donde explora tradiciones y mitos de la comunidad de la costa de Oaxaca , centrada en la figura del cocodrilo como personaje principal. La exposición, con obras realizadas en óleo, tierras y papel con pigmentos de grana cochinilla, cuenta la historia personal del artista, influenciada por su abuela y sus raíces, a través de símbolos y colores de la flora y fauna que lo acompañaron a lo largo de su vida.
La narrativa y simbología de la exposición, cuidadosamente curada por el Maestro Alonso Aguilar Orihuela, invita al espectador a comprender la obra y el contexto del artista, proporcionando una experiencia visual y emocional significativa, preguntándonos ¿qué más nos quiso decir el artista?.
La riqueza simbólica y narrativa de esta exposición es un regalo visual que se aprecia al visitarla. A través de la composición, el color y las decisiones detrás de cada obra, el artista nos guía a lo largo de su exposición, revelando su historia y permitiendo que el espectador encuentre su propio significado.
Este trabajo por parte de Ixrael Montes de tres meses nos muestra el lado más sublime del arte que es envolvernos en narrativas visuales para darle importancia a mensajes, en esta exposición en particular a la historia de vida, el contexto cultural y la costa oaxaqueña por medio de la lectura de paisajes, animales y personas en la obra cómo códices.
Se agradece al Maestro Alonso Aguilar Orihuela por permitirnos adentrarnos en esta experiencia, guiándonos a través de un recorrido lleno de mensajes que nos permitió comprender y luego interpretar el mensaje claro de la exposición.
Didier López Carpio es un artista oaxaqueño proveniente del Itsmo de Tehuantepec, su interés por el arte comenzó desde muy temprana edad cuando inició a hacer sus primeros dibujos, la influencia de sus padres fue fundamental para su desarrollo como artista ya que con tan solo 10 años el iba con su padre a visitar a su primo a la ciudad de México, donde lo llevaban a ver museos y exposiciones que marcaron su vida. Viendo artistas que al día de hoy lo inspiran como Sergio Hernández o Jesús Urbieta.
Estudiando la escuela de artes y sentando las bases de su carrera, queda en su memoria un profesor el cual le mostro los movimientos artísticos que impactaron su obra con recortes que quedaron impregnados en su memoria con movimientos como el fovismo, impresionismo y expresionismo alemán, al pasar del tiempo en 1999 decidió estudiar diseño grafico, carrera que le dio la amplitud en el conocimiento para desarrollar a día de hoy las técnicas que utiliza en su trabajo.
Al entrar a la galería, vemos rostros, colores y miradas de mujeres que parecen verte fijamente.
Entre materiales como oleo, lápices de oleo, y temple las mujeres representadas aparecen con piel blanca en la obra la cual no tienen un significado político si no una cuestión estética, utilizando la composición cara hacer una dualidad que al escribir frases con rostros que lancen un mensaje claro.
¿Por qué mujeres?
“Las mujeres embellecen todo”, la influencia de las mujeres en la vida de Didier ha sido muy grande, al ver a su madre, su hija y su esposa, el sentimiento del amor es lo que lo ha llevado a representarlo en cada una sus obras, La mujer en diferentes entornos.
“el arte como manifestación del espíritu, el arte como manifestación del alma”
Al representar su espíritu mismo en sus obras se encuentran pedazos de Ixtapa y un proceso evolutivo muy amplio en su estilo, Didier López busca esa frescura, esa diferencia en un lugar donde estamos rodeados de arte y mucho por ver, el busca salir de la escuela oaxaqueña para representar sus colores y trazos que gritan mensajes y sentimientos
Una de mis exposiciones favoritas sin duda, los colores las texturas y los mensajes me llenaron el alma para recordar por que amo el arte, los retratos en todas partes como un símbolo de unicidad, ojos y formas, haciendo referencia a varios artistas y movimientos que como artista en desarrollo algún día son mi meta representar, solo me queda agradecer por que esta obra para mi es un rayo de luz para mi arte.
“Yo no pinto para los demás, yo pinto para mí”, Olegario Hernández Lorena Cuahonte
Muy cerca del parque de Santa Cruz Xoxocotlán visité el taller del artista oaxaqueño Olegario Hernández, del cual sentí total admiración por su trabajo. Al entrar a su taller, pude observar las diferentes técnicas que ha experimentado como el encausto (grabado en cera), litografía (grabado en piedra), óleo y su especialidad, el grabado sobre jícara a la manera negra. Sus obras tenían algo en común y eso eran los animales.
El trabajo de Olegario me sorprendió. Yo he cursado talleres de xilografía (grabado sobre madera) y conozco la precisión y la fuerza necesarias para manejar la gubia, por lo que pude valorar la dificultad de grabar sobre una superficie que no es plana. Olegario tallaba con tanta facilidad y rapidez en la jícara que no tardó más de quince minutos para entregarnos una obra con un tigre, firmada. Su talento y hablar del trasfondo de su trabajo, historias que quería contar a través de sus piezas y las causas sociales que buscaba visibilizar, me hicieron entender más su obra y verlo como una fuente de inspiración.
Olegario comienza a rayar las jícaras a los 5 años de edad, su familia a influido en el para no olvidar sus raíces y también formar un camino de vida, lo más difícil para el al salir de su tierra (Pinotepa de don Luis) fue dejar a su gente y su cultura, tuvo la oportunidad de estudiar artes plásticas en la universidad de Guadalajara llegar a una ciudad desconocida y sin dinero, lo hice llegar a un jardín con muchos pintores ahí conoció al maestro José Silva quien lo apoyo llevándolo a su taller para presentarle las artes plásticas y sus diferentes técnicas como la gráfica, muchos de los conocimientos que adquirió a lo largo de su carrera universitaria los implemento en su trabajo a la manera negra y hoja de oro, al regresar a Oaxaca vio la manera negra con puntas pero no con gubias y así decidió implementar esta técnica en su obra.
Le preguntamos si había sufrido algún tipo de discriminación por hablar su lengua materna Olegario menciona que lo ha puesto en desventaja ya que a veces se le complica expresar sus ideas ya que aún le es difícil hablar el español y entender algunas palabras.
Olegario nos dice que para él sus raíces han sido un beneficio por que lo han llevado a aprender de otras culturas y conocer otros lugares, cuando le preguntamos cual era su proceso creativo en sus obras nos respondió que solamente es dejar su imaginación fluir y nos comentó que detrás de muchas de sus obras hay un beneficio social como lo es la casa de animales
Encontraba una inspiración en las obras de José Guadalupe posada pero la xilografía no era tan a fin su técnica y comenzó a seguir al maestro Echer. Al preguntarle al maestro Olegario cual consideraba que es su mayor éxito profesional respondió que aun no ha llegado a su creación más grande ya que sigue estando en un constante descubrimiento, buscando transmitir sentimientos a partir de sus obras, siente sus obras como una parte de él
En este camino de experimentación en las artes platicas ha incursionado en la escultura, el grabado, encausto, acuarela, orfebrería. Olegario encuentra un entendimiento sentimental con la jícara así que esta misma le dice que trazar.
Piensa en la desvalorización del grabado de jícara como las personas se han interesado en este arte solamente por el dinero. Al preguntarle a Olegario que pensaba acerca de la inclusión de las mujeres en el grabado el nos responde que le alegra saber que los papeles han ido cambiando como ya no hay solamente mujeres en el telar y hombres grabando la jícara.
El maestro Olegario quiere transmitir sus obras al público y se define como una persona que busca compartir sus conocimientos. Al hablae sobre algunas de sus obras y su relación con la muerte nos presentó una pintura inspirada en los niños con cáncer que tienen una interacción diaria con ella por su enfermedad, “niños que juegan con un papalote que los va convirtiendo en angelitos”.
¿si pudiera ver a un Olegario pequeño le diría? “vas bien, sin subirlo, para no perder el camino” “no me considero artista por que este es un camino muy largo, está es una carrera de resistencia”
“no corras porque te puedes caer, paso firme pero seguro”- le diría Olegario a las personas que están interesadas en el arte.
¿Cuáles son los criterios que Olegario utiliza para escoger la jícara ideal para comenzar a grabar?
“después de 3 meses en el árbol están en el punto ideal para ser parte de una obra”
Al terminar la entrevista tuve la fortuna de admirar a Olegario trabajando sobre una jícara en la cual solo pude apreciar los años de experiencia y trabajo que ha invertido en el oficio del arte, al verlo admiré su resistencia, el impulso que lo ha llegado a superar varios obstáculos y como sus ganas de aprender y transmitir han sido un motor para llegar lejos.
De esta entrevista me llevo la intención de transmitir un mensaje al mundo detrás de cada una de sus obras y un ejemplo, todo arte requiere de práctica, un constante trabajo y una búsqueda imparable y el artista Olegario Hernández es un ejemplo de ello.
Gracias Maestro por recibirnos y dejarnos aprender
En la calle Manuel Álvarez Bravo en Oaxaca se encuentra el taller gabinete gráfico donde se presentó la exposición de 100 artistas oaxaqueños, carpeta gráfica con diferentes técnicas como lo son la xilografía, siligrafia, litografía, punta seca entre otras, predominando la xilografía, el artista Irving Herrera es quien encabeza el proyecto, la dinámica consistió en invitar a 10 artistas que pudieran invitar a otros 10 artistas sin ninguna temática en especial, solo presentar la obra que sintieran que podía describir mejor su trabajo.
Para Irving Herrera artista egresado de la UABJO (universidad Autónoma Benito Juárez de Oaxaca) la influencia de sus maestros y compañeros durante su proceso formativo fue de suma importancia, ya que no solamente formaron su posición en el arte, si no también ante la vida. recuerda mucho ser estudiante, como por la necesidad de hacer nuevos proyectos artísticos sus compañeros se vieron en la necesidad de experimentar con otros materiales más baratos para producir como la xilografía en mdf y otros instrumentos que igual fueron implementando a lo largo del tiempo para de igual forma experimentar con ellos.
Irving crece en una familia rodeado de mujeres, siendo el único hombre de su familia, sin darse cuenta estar en este ambiente rodeado de feminidad provocó que más tarde esta fuera la temática de su arte, al representar mujeres en sus obras yendo más allá, la iconografía para Irving es un tema de suma importancia, ya que se ha dado cuenta que a veces solamente un símbolo dice más que mil palabras y se encuentra en proceso de seguir trabajando el poder mostrar elementos simples que representen la temática de su arte., sintetizando el lenguaje haciéndolo parte de sus retratos.
“como poder mostrar erotismo en cosas sintéticas”
Al ir desarrollando su arte y a lo largo de su carrera él ha sido parte de diferentes proyectos, uno de ellos ASARO, el cual le permitió ser parte de una revolución de artistas oaxaqueños, la cual le ha permitido cambiar su panorama ante el arte, la cultura y el estado.
ASARO- Asamblea de artistas revolucionarios de Oaxaca
Porque es importante hablar de ASARO, porque el mismo arte es el que ha hecho a Oaxaca evolucionar, el arte social se termina convirtiendo en arte político, ASARO, una asamblea de artistas de diferentes movimientos que buscan generar un público y restituir a un fin social, Oaxaca es un estado lleno de Arte que ha utilizado para sobrevivir y revitalizarse.
ASARO se manifiesta por la inclusión y la lucha por generar un movimiento social donde se visibilicen todas las personas. Donde el arte sea de todos, un contacto directo con la gente en espacios públicos, crear imágenes que representen a los pueblos.
Los movimientos que se han generado en Oaxaca como las marchas y protestas son Arte, cuando vamos caminando por las calles y vemos las paredes de diseños artísticos sobre puestos donde el gobierno llega a poner pintura blanca y después artistas a volver a colocar
pintura , son Arte, son una lucha por mostrar, por exigir esto se va volviendo parte de la historia.
Irving nos habla también de la venta del arte en Oaxaca, como ser artista va más allá de solamente crear obra para decir algo, el artista también debe vender, así que es necesario crear estrategias de venta, como el trueque de obra entre artistas y los eventos como las exposiciones se vuelven estrategias de marketing, el artista también debe estar presente en la promoción de su obra, se requiere de mucho trabajo en equipo y ser conscientes de que el artista igual busca vender.
Con el conocimiento del maestro Irving herrera logro apreciar las calles en las que piso, llenas de arte e historia, una lucha que lleva años y solamente los que estamos relacionados al arte podemos ver, al igual que la importancia de ponerle precio a una obra ya que esto para muchas personas no es solamente una pasión si no un trabajo.
La primera vez que visité la exposición del maestro Takeda en el IAGO fue en diciembre y no pude evitar quedar asombrada, pensé en todas las técnicas de grabado que habían sido utilizadas y como parecían tener la estructura perfecta para representar algo oaxaqueño poco convencional en una realidad en la que estamos rodeados de arte y color.
El día 24 de Enero Me apuré para llegar al IAGO, se me hacía tarde y no quería perderme ningún detalle de lo que el profesor explicaría durante el recorrido, al avanzar por el pasillo vi a un señor con sombrero sentado en la cabecera de la mesa, era el maestro Shinzaburo Takeda, lo había visto en diferentes fotografías pero era la primera vez que lo veía en persona, no me contuve la emoción, no me lo esperaba y fue la mejor sorpresa que me pude llevar.
El maestro Takeda comienza a platicarnos su historia antes de entrar a ver su exposición exposición “Guidxilayu/ Nundehui Paraiso”, el nació un 13 de febrero de 1935 y proviene de un pueblo en Japón llamado Seto donde se trabajaba la cerámica, el decide entrar a la universidad de bellas artes en Tokio, entre sus veinte y treinta años de edad se entera de México por su maestro Tamiji Katagawa quien ya había vivido aquí y decide seguir sus pasos.
“¿Cómo nacer mexicano?”
Él llega a Mexico en 1963 y comienza a estudiar pintura mural en la Academia de San Carlos, vivía muy cerca de Tlatelolco en ese entonces y le tocó vivir un suceso muy importante en la historia de México; comenzó a aprender de la Litografía en la escuela Nacional de Artes Gráficas y así comenzaría a poner en práctica las técnicas artísticas que marcarían su vida y su carrera.
En 1978 llega a Oaxaca entra por la costa de Oaxaca y se enamora de lo que ve, queda muy influenciado por la cultura del istmo de Tehuantepec y la región Mixteca, se convierte en maestro de la facultad de Artes Gráficas Visuales en la Universidad Autónoma Benito Juárez en la que tiempo después recibiría un reconocimiento a su trayectoria, siendo el maestro de muchos artistas gráficos oaxaqueños.
El amor por Oaxaca se siente en cada una de sus palabras y obras, el maestro Takeda conoce la historia de México y la retrata, combinando el muralismo mexicano, con un poco del estilo japones que se puede observar en la línea que contornea a algunos de los personajes en su dibujo , implementando las artes gráficas en su trabajo como lo son la litografía, punta seca, linóleo, xilografía y serigrafía, otras obras a lápiz y carboncillo, algunas con acuarelas, pero en todas un factor en común, el intento de retratar una cultura.
En su colección privada no dejo a un lado su amor por el arte mexicano, con una planilla de periódico con el gran artista muralista mexicano Siqueiros encarcelado, mostrándonos obras de sus aprendices como lo son Alejandro Santiago, Diego Acosta y francisco Monterrosa, una obra de García Bustos que representaba el mercado de Tlacolula en xilografía, entre otras obras como una colaboración en linóleo de Diego Rivera y su Aprendiz u obra extrajera como la de Angelina Beloff o Katsushika Hokusaki artista japones con más de 300 años de antigüedad; No cabe duda que la obra que ha coleccionado el maestro habla de lo que busca representar en su trabajo, el amor que le tiene al legado que ha dejado en muchos artistas gráficos oaxaqueños
El maestro Takeda ha hecho varios por esfuerzos para darle más visibilidad a la gráfica mexicana que al mismo tiempo toca temas culturales o sociales que dan un mensaje, con su proyecto de más de trece años el bienal de Artes Gráficas de Shinzaburo Takeda como una iniciativa para contribuir e impulsar el grabado en el estado de Oaxaca y el encuentro entre creadores para mostrar al mundo que hay un sentido del arte.
Como una artista en desarrollo Fue un placer haber tenido esta experiencia de la mano de un artista como lo es el maestro Takeda, quien me transmitió su pasión por el arte y la cultura de la que formo parte, me quedó con su historia y su trabajo, le agradezco que sea parte del cambio para preservación de la cultura oaxaqueña.
Alelí nace en la costa de Oaxaca alrededor de su familia, su madre bordadora, fue su primer acercamiento al textil, proveniente de una familia de mujeres artesanas, su interés por el textil surge tiempo después cuando decide formar sus estudios en Oaxaca para luego tomar su camino trabajando por un tiempo en España en un taller de alta costura donde se hacían vestuarios para teatro, en el taller necesitaban a una persona que supiera bordar para terminar los acabados más precisos, ella accedió a hacerlos ya que tenía los conocimientos que le había dejado su madre y asi fueron sus comienzos dentro de esta rama.
Al regresar a Mexico y descubrir que realmente estaba interesada en esta área, decidió tomar un curso de textiles en el centro de artes de san Agustín, fundado por el maestro Toledo donde se imparten talleres para todas las personas interesadas en el arte, ahí conoció a diferentes mujeres apasionadas por los textiles, cuando las mujeres llevaron sus telas y sus diseños a la clase, se dio cuenta de que no existía un lugar donde todas pudieran vender sus propios diseños así fue como comenzó su proyecto, abriendo un bazar en su casa que tiempo después se llamaría colectivo donde todas las mujeres del curso podrían exhibir sus prendas, invitando a todos sus amigos a visitar el bazar e ideando propuestas que a las personas les interesaran para asistir, cuando comenzaron a crecer un poco más decidieron poner su primer local en el mercado Sánchez pascua donde inició la idea de nombre de MIiku Meko.
Con el paso del tiempo el colectivo comenzó a ganar reconocimiento y aunque se tuvieron que separar el proyecto de Miku Meko siguió en pie y se estableció en otro lugar donde comenzaría la experimentación de su nuevo concepto.
“Miku Meko significa changuito sucio”
Así como su familia y sus orígenes le han dado herramientas para experimentar con diferentes técnicas y materiales, también nos cuenta lo difícil que fue provenir de una familia indígena ya que cuando Alelí era más pequeña su mamá no le permitía que hablará su lengua natal, le pedían que hablará español, ya que sus papas habían crecido en un contexto en el que las personas necesitaban negar sus raíces indígenas para prosperar, decían que solamente las personas que hablaban español y estaban alejados de su cultura tendrían la oportunidad de tener un futuro, muchas personas crecieron así, negando quien era porque eso fue lo que la sociedad les enseñó.
“lo que vende Mexico es la cultura que dejaron Morir”
Por esta misma razón Alelí aprendió a bordar no por que su madre quisiera que aprendiera, si no por que tenía que sacar adelante el trabajo para tener para comer
“Mientras en los pueblos la gente no piensa en preservar la cultura, la gente vive al día…”
Oaxaca es un lugar lleno de artesanos, muchos turistas pero que es lo que hace diferente al artesano, Alelí sabía que necesitaba hacer las cosas diferentes, generar diferentes propuestas.
En un viaje a Japón tuvo quedo muy influenciada por la cultura, decidiendo crear un hibrido en los textiles oaxaqueños, quedo impresionada por la forma de la tela y como las medidas podrían ser muy parecidas a las de un huipil oaxaqueño, así fue como decidió experimentar y generar las propuestas de su marca que la ayudarían a desarrollar sus futuras colecciones.
El trabajo de alelí se diferencia en la experimentación de la tela, la hibridación de la cultura, la unicidad y todas sus prendas unisex.
Influenciada por las artes visuales toma inspiración en dar un mensaje con la prenda que propone, buscando telas diferentes y propuestas que transmitan algo distinto en cada una de ellas, dentro de la tienda de Miku meko no encontraras un diseño igual a otro ya que ese es el propósito de Alelí, hacerlo diferente
El lugar donde se encuentra la tienda de Miku meko es la mesa puerca, lugar rodeado de arte contemporáneo, Alelí sabe que su trabajo también toma ese giro artístico cuando se encuentra en un espacio que coexiste con el generar diseños, así que no solamente ha desarrollado proyectos textiles si no también artísticos que le han permitido generar una visión en el arte y también a apoyar a artistas que quieran experimentar en textil.
Experimentando con diferentes técnicas como lo es el añil y diferentes tintas este ha generado darle un giro a su marca, alelí nos comenta que no le parece copia que otros incursionen en las técnicas de tinta que ella implementa, ya que le parece que ella siempre trata de innovar y no se queda con una idea que ya desarrollo.
De la entrevista de Aleli Hernández me llevo varios mensajes, reflexiono sobre la realidad de mi estado en la que hemos sobre explotado una cultura que ni siquiera nos importa conservar solo lucrar. Un mensaje un poco existencialista al escuchar su historia, como todo se va acomodando para al final hacer un sentido, como el camino se va formando al caminar, como la representación artística está en muchas formas, más allá de las que podemos ver.
Está exposición en particular fue muy especial para mí, porque llevaba un tiempo solo siendo espectadora de exposiciones y redactando textos sobre ellas, pero esta vez no quise hacer solo un texto, quise hacer una crónica, que está fuera tan personal como mi diario, que le hiciera justicia a esta experiencia que me hizo sentir la satisfacción que quiero sentir toda la vida.
En Agosto inicié el diplomado de curaduría y gestión de exposiciones, jamás pensé que sería algún tipo de 2×1, dos sueños que se cumplirían en uno.
A través de clases en línea fue como conocí a más gente con la cual compartir pasiones a la distancia, habíamos personas de distintas partes de la república, la mayoría de la ciudad de méxico, egresados de la UNAM pero al final siempre con el arte en común
El diplomado se dividió en tres módulos, curaduría, museografía y gestión , en el módulo de curaduría la primera semana del diplomado nos mostraron el resultado final de lo que debía ser nuestro proyecto final, un pdf con 120 diapositivas en el que cada una mostraba el porqué de la narrativa de la exposición, una narrativa perfectamente elaborada con una investigación, lista de obra, presupuesto, renders, diseño etc. lo cual me pareció increíble pero un trabajo enorme.
Llegó el día de escoger los proyectos y Mich presento lo que para mi era un proyecto demasiado interesante el cuál yo quería ser parte, un estudió fotográfico encuentra una maleta el centro de Puebla con un tesoro dentro, una serie de 3200 negativos que pertenecieron a Honorato Reyes un fotógrafo documental de 1920 , donde a través de fotografías nos permite ver el contexto cultural de puebla y su vida misma, así es como se conformo el equipo de la mirada a través del negativo, 10 integrantes emocionados ante la posibilidad de hacer una exposición desde cero, trabajar sobre una temática la cual no teníamos definida y no sabíamos lo difícil que sería abordar, las preguntas llegaban a nuestra cabeza ¿como hacerle justicia al archivo? ¿cómo hacer que la historia del fotógrafo tuviera un impacto?, nos dimos a la tarea de comenzar con la investigación, ¿quien era honorato?, ¿por que tomaba fotos?, todas las respuestas estaban en aquella maleta, en sus cartas, fotos y el archivo, lo que un día tuvo sentido para él, Honorato.
Al observar solo una pequeña cantidad de las fotos y en el dilema de decidir cuales serían las líneas de investigación sobre la expo nos dimos cuenta de una cosa, Honorato no solo retrata personas si no que las sentía, las hacía parte de su colección de rostros de una forma muy peculiar, tenía este ojo fotográfico que le permitía, identificar poses, luces, composiciones y miradas que lo hacían un genio creativo, decidimos abordar este compendio de fotografías por 4 ejes, ¿quien era Honorato Reyes?, su contexto social, el negativo y la mirada.
Al ir trabajando sobre estos ejes la tarea de sacarle jugo a cada eje y crear justificaciones se volvió un poco tedioso, pero con cada reunión entendíamos algo nuevo de las fotos y cuando se unía el equipo de Ojo fotográfico, Alfredo Luna y Javi Montesinos aprendíamos algo nuevo del personaje principal de la historia que queríamos contar.
Comenzó el momento de querer llevar el proyecto a la realidad y el primer lugar el lugar que tuvimos en mente se encontraba en Oaxaca de juárez el centro fotográfico Manuel Alvarez Bravo fundación del maestro Toledo, Ale y yo decidimos ir a pedir informes pero nos sentimos un poco desilusionadas por las fechas en las que había la posibilidad de presentar el Archivo en salas, continuamos con la ilusión de aun así poderlo presentar en aquel lugar hasta 2025, sin embargo ese mismo día nos llevamos otra sorpresa el museo de arte popular se había interesado por nuestro proyecto, gracias a nuestra compañera de equipo Gabriela franco que trabaja ahí y nos propuso como un proyecto de valor para la sala de exposiciones itinerantes en el primer piso del museo, así que la posibilidad de una presentación en la ciudad de méxico estaba muy cerca
Nos pusimos a trabajar en base al museo de arte popular, ahí es cuando el equipo de museografía entró en acción, Miranda, Marisol, Mich y Gaby se dieron a la tarea de ir al lugar y tomar las medidas necesarias, hacer el mapa y aprovechar el espacio en su totalidad, mientras tanto el equipo de gestión se encargó de diseñar la parte gráfica de la exposición, gracias a los talentos gráficos de Ale y Diana la exposición ya tenía un rostro además del de Honorato, en cuanto al tema de gestión Tam y yo (Lorena) nos dedicamos a entender cómo entender la parte legal..
Mi primera visita al map me llenó los ojos de ilusión, ver el lugar donde se había trabajado toda la exposición en persona fue un abrazo al corazón, sentí tan bonito de conocer ese mismo dia a todos mis compañeros del diplomado al tener una clase de museografía interactiva en el museo valparaíso, con la maestra Susana escamilla hablando en persona y el frío de la navidad detrás de las ventanas, fue un momento que me llevo en el corazón.
En proceso de terminar la presentación final de sorpresa nos cayó la noticia que cambiaría al Archivo Reyes y mi vida, el centro fotográfico nos había dado un espacio en la sala 7 para febrero así que teníamos que empezar a gestionar todo desde ya, mi primera reacción fue ir al espacio, necesitaba hacerme a la idea de que aquella sala tendría la foto de Honorato en medio y a fuera el vinilo diría “la mirada a través del negativo” fue en ese momento que llegue y aprecie las paredes blancas, tome fotos y me fui con una sonrisa.
No había otra forma, debíamos de prepararnos para aquel día, después de algunas cuantas reuniones para hablar de cotizaciones, redacción , selección e idas y venidas con Ale, en una de ellas mientras llevaba en mis manos el texto de sala no pude evitar sentir que las piernas no pesaban y que el calor no quemaba, eso se siente cuando uno está enamorado pensé, sólo que yo no lo estaba de alguien si no de algo.
Un día antes de la exposición comencé a sentir esa ligera emoción en el pecho, ese sentimiento que me recorría la piel, el equipo vendría y estaba feliz de volver a ver a Mich quien siempre estuvo organizándonos a lo largo de este viaje a Diana quien fue una gran compañera de equipo y en especial de conocer a ojo fotográfico quienes son dos increíbles personas apasionadas por este tesoro que encontraron.
Llegó el dia y me arreglé, sentía que era un momento especial en mi vida, algo de lo que amaba ser parte y mientras daba un paso más hacia el centro fotográfico el corazón se me salía del pecho, la exposición era a las 6 y habíamos quedado con el equipo de llegar una hora antes entonces fue cuando vi a Ale a lo lejos y solo pude alegrarme, en ese momento entró mich y fue cuando Fausto nos dijo que podíamos entrar a ver la sala y al entrar solo mi corazón se detuvo un instante, fue ver el trabajo de 6 meses en una sola sala, las reuniones y el mismo amor que Honorato le ponía a cada una de sus fotografías.
Compartir esos momentos de plática con el equipo es algo que siempre atesorare al pasar del tiempo las personas iban llegando y entre caras y cuando veía alguna conocida no podía evitar sentir un agradecimiento profundo por esas personas que habían venido a apoyar el proyecto, sin embargo la presencia de dos personas en la sala me llenó el alma artística de tanta alegría, mi maestra María Elena quien a los 8 años me dio una pequeña vista al mundo del arte con sus clases de pintura y mi profesor Orihuela quien gracias a que contagió su amor al arte con sus alumnos de comunicación yo conocí esta parte del arte que amo profesionalmente, la divulgación cultural.
Agradezco al arte,, a todo el equipo de la mirada a través del negativo, en especial al Archivo, a Jean Michelle Azofeifa, Cristina Miranda Reyes, Alejandra Jiménez Rafael , Tamara Sánchez, Gabriela Franco ,Kevin Jiovani Estrada , Diana Saavedra , a mis papas, mis maestros del diplomado a Maria elena y el profesor Orihuela, los comunicólogos, mis amigos pero sobre todo a mi tío, mamá, papá a y tía diana ,por esta maravillosa oportunidad y por acompañarme en ella.
Gracias Honorato por permitirnos compartir tu trabajo, porque gracias a él aprendí tanto, no solo del arte si no del fotógrafo mismo, ojalá esta sensación de novedad ante su esencia como fotógrafo pueda ser llevada a muchos lugares y apreciada por muchas personas.
